REVELANDO MÍ PUEBLO : CREACIÓN DE LOS PERSONAJES - REFLEXIÓN Y ASIMILACIÓN DE UN PROCESO UNIVALLUNO

REVELANDO MÍ PUEBLO. http://es.simplesite.com/builder/pages/preview3.aspx

Reinterpretación del libro escrito por Constantin Stanislavsky "la construcción del personaje", en este tiempo! Atravesando mi experiencia como escritor, actor de Teatro y Cine.

Cada uno desarrolla una caracterización externa a partir de si mismo, de otros, tomándolo de la vida real o imaginaria, analizando según su intuición, su observación de sí mismo y la analogía que tiene respecto a los demás y el universo.

La extrae de su propia experiencia de la vida, o de la de sus amigos, de cuadros, grabados, dibujos, libros, cuentos, novelas, sensaciones, sentimientos o de cualquier simple incidente, no existen diferencias.

La única condición es que mientras está llevando a cabo la investigación no pierda su yo interior, este es un objetivo fundamental en estos tiempos! Van a explorar e identificar los aportes y complementos que les dan las diferentes herramientas y expresiones artísticas en la construcción de los personajes, como lo son: el vestuario, el maquillaje y los detalles en el vestir de una persona, las cuitas que le dan calidad y precisión a la interpretación, como esto estimula y genera que tus sentidos se comporten de una manera distinta, haciendo que nazca un nuevo ser, sin dejar de ser!

Hay que experimentar el vivir de otra persona y sentirlo realmente, en caso de no alcanzar este estado al menos transmitirlo; hay que explorar e interiorizar, para expresar orgánicamente el sumergirse en un personaje, en un ser humano o un ser inhumano, sin dejar de ser ustedes mismos, mantener la dualidad de ser actor y observador de sí mismo!

Esta es una cualidad de enorme importancia para los interpretes de la vida y el espacio! Pero también es necesario abandonarse y dejar fluir los momentos puros a través de la improvisación, entregarse por completo a la musa del artista, al momento del trance en el intérprete, y es en ese instante donde se despliega la más sincera transmisión de un ser humano en un contenido que trastoca el todo de la humanidad.

El actor se amalgama a lo que lo incentiva y lo provoca estimulando su imaginación y sentidos.

Hay muchos tipos de personajes!

Y esto requiere un compromiso sincero. Nunca deben acomodar las características de un personaje a las propias personalidades, no! Hay que sentir y crear un cambio total!

Y en caso de que haya una identidad, debemos dimensionar las características y transformarlas en pro del personaje.

Hay que meterse en la piel de los seres y sentir sus necesidades internas!

Individualicen la esencia del personaje que se crea, y es allí donde seremos universales en la creación.

La composición de un personaje cuando va acompañada de una transposición real, es un yagé! una especie de reencarnación, es algo grande. Es entrar en las fibras internas de un universo en particular!

Todos los actores deben tener esto claramente definido en los procesos de creación.

Copiar No es CREAR! En muchos casos la copia suele ser una imitación. Hay que crear! No imitar! Eso es para los mimos, y eso, porque allí también debe haber una interpretación creadora, en un mundo, espacio y tiempo, así este tiempo y espacio sean indeterminados.

Hay Buscar la naturaleza orgánica en las situaciones y reacciones del personaje!

Todos los factores determinantes en un personaje se convierten en sus circunstancias dadas, y el si mágico, en el argumento de una obra y un ser humano.

Hay que interpretar! Actuar! dentro del marco de expresiones y limitaciones De la condición física y emocional, que nos plantea el entorno del personaje y no simplemente imitar e interpretar un ser!

Hay que indagar y redescubrir las circunstancias dadas del personaje y una vez redescubiertas, la técnica ayudara a conservarlas, para mantener y desarrollar la esencia verdadera de un personaje! Aunque en ocasiones la memoria psico-física también nos ayuda sin necesidad de depender de las técnicas experimentadas por otros.

El actor debe desarrollar su cuerpo, y mantenerlo en forma, para así tener un buen aparato psico-físico e internamente sano, en perfecto funcionamiento y capaz de un control extraordinario. Debe tener un training personal, construirlo en la búsqueda y sus necesidades.

La meditación o la búsqueda espiritual ayuda a que psicológicamente encuentres una estabilidad emocional y seguridad interior, estas expresiones se complementan con las creaciones de los personajes, bien sea para beneficio o perjuicios de los seres interpretados, y es allí donde debemos identificar que aportes nos da esta ciencia de la metafísica y para que nos sirve adentrarnos en ella.

La acrobacia por ejemplo ayuda a desarrollar en el actor, su capacidad de decisión y autocontrol. El actor no puede prepararse a pensar, dudar, sopesar los argumentos, prepararse y estudiarse a si mismo. Tiene por el contrario que actuar, saltar los obstáculos al galope! Decidido y seguro! Y es aquí donde el actor tiene que ser consiente del compromiso con su cuerpo para así desarrollar más agilidad, ser eficientes físicamente en escena, cuando se Levante, se agache, se vuelva o voltee, cuando corra y así sucesivamente cuando se enfrente a infinidades de movimientos difíciles.

Mientras que la gimnasia desarrolla movimientos cortantes, casi abruptos a veces, marcando el ritmo con acento fuerte, y casi militar, la danza tiende a producir fluidez, amplitud, cadencia de gestos. Juntas las dos disciplinas despliegan un gesto magnifico, dándole definición, forma, dirección y ligereza a la movilidad orgánica de sus cuerpos.

Los movimientos gimnásticos son rectilíneos, los de la danza son complejos y variados.

El trabajo que el actor le hace y aporta a su cuerpo, se verá plasmado en la interpretación y reacción del personaje en distintas situaciones, diálogos y confrontaciones.

El movimiento psico-físico en la acción dramática debe tener una continuidad en su desarrollo hacia el objetivo planteado por el director o en casos especiales por el mismo actor!

La línea continua de acciones físicas no debe ser algo fragmentado, si no, un continuo hilo de sucesiones psico-físicas que lleven al espectador en un viaje continuo, por muy fragmentada que sea la dramaturgia y la puesta en escena, esta debe atrapar en una sucesión de imágenes y confrontaciones sugestivas al espectador - testigo.

Hay que desarrollar una línea energética que se desplace en continua progresión, en el caso del personaje, esta línea debe relacionarse directa o indirectamente con el propósito u objetivo de sus intereses en la puesta en escena. Este es uno de los tantos motores que generan fluidez, en la plasticidad humana e inhumana del movimiento psico-físico que nos es tan necesario a la hora de plantear una estética y un estilo, en una presentación interpretativa.

Cuando, con ayuda del entrenamiento y los ejercicios sistemáticos desarrollamos un continuo disfrute de acciones en una línea interna, más bien que en una línea externa, descubriremos lo que significa los sentimientos y emociones del movimiento mismo, en el personaje Creado o por crear.

"nuestra línea de acción está sujeta a un sistema de fabricación artística"

A la sensación interna de energía que atraviesa el cuerpo la llamamos sentido del movimiento.

La plasticidad externa del movimiento está basada en nuestro sentido interior del movimiento psico-físico de energía.

Una de las cualidades importantes en un actor, es la capacidad de desplegar su personaje y ser capaz de ver cómo crece y se amalgama a diferentes estados y reacciones en las cuales el público o los testigos puedan ver la creación de una gran obra de arte, de una excelente sinfonía humana, en plena exposición.

"hay que crear y expresar el alma humana, con proyección a la eternidad, esto solo es posible cuando en la particularidad de un ser, encontramos el universo de nuestra humanidad".

Hay que tener conciencia hasta donde dejamos libre al personaje y desde donde tenemos el control y la contención en las pasiones humanas que vive el personaje, teniendo conciencia de que el actor es un almirante que navega entre sus amores, odios, celos, venganzas y confrontaciones, bien sean positivas o negativas.

Ahora bien! Debemos tener conciencia de que no solo eso es importante en la creación e interpretación de un ser humano, sino que hay muchas expresiones y sentidos para comunicar la contención y explosión de una persona, en este caso sería el personaje que se está construyendo.

La voz y una excelente dicción son las bases de una clara expresión, bases externas que se complementan con las internas, como lo son los sentimientos del actor y su ser creado (personaje), que está en una continua cognición, la cual es influenciada y trastocada por las confrontaciones y frustraciones que vive el personaje en su proyección y desarrollo objetivo e interpretativo.

Debemos desarrollar una sensibilidad para nuestro propio lenguaje, no solo con el personaje, si no con nuestro propio aparato vocal, para que esto se visualice en los personajes que vivimos en escena!

Hay que entrenar la voz y los músculos que intervienen en su expresión, para desarrollar el lenguaje vocal y sensibilizarnos al grado de ser conscientes de nuestras deficiencias y virtudes en el lenguaje, esto es muy importante, como todas las demás partes orgánicas e inorgánicas que intervienen en la expresión del ser.

"Constantemente debemos buscar el significado íntimo y social que contiene el lenguaje de un ser humano"

Hay que darnos con nosotros mismos la tarea de investigar nuestro aparato fonatorio y fortalecer e impulsar nuestras capacidades expresivas en el lenguaje de la palabra hablada.

Dedicarnos a mejorar nuestro modo y forma de expresarnos, no por satisfacer a los otros, si no por sentirnos plenos y llenos de placer cuando nos expresemos en privado o en público, esto es muy importante para el desarrollo de un actor y sus creaciones, pues así tendrá la libertad absoluta para desplegar todas sus capacidades en la presentación de un ser humano en escena.

Debemos ver, imaginar y expresar concretamente lo que esconden las palabras y sus intenciones, escucharnos y sensibilizarnos con el leguaje, no hay que hablar por hablar, no! Debemos ser conscientes de lo que queremos y no deseamos comunicar, estudiar nuestros regionalismos y ver que nos aportan e igual lo que nos perjudica, ocasionando imposibilidad para transmitir las conmociones del ser. El estudio de nuestra propia lengua es muy importante para nosotros los interpretes de la vida! No hay que desfallecer en este propósito si queremos llegar al crisol de nuestro arte. Las leyes y los signos en el lenguaje son una herramienta necesaria para poder trastocar el mismo lenguaje a un nivel puramente sincero y no mecánicamente verdadero. La organicidad de la palabra está en El interior del ser! No importan cuantas leyes y técnicas aprendamos para hablar en escena, lo que realmente importa es aprender y saber expresar lo que experimenta un alma en conmoción.

"La palabra es un continuo trabajo de teoría en práctica, penetrar en las fibras internas! esto debe ser constante en su training como actor y creador de experiencias"

Los actores debemos tener en cuenta que el lenguaje contiene una perspectiva en el transcurrir de una historia, esto no solo se aplica en la palabra si no en las acciones, la expresión de los sentimientos y sus emociones, en los gestos, en las miradas, sus pensamientos, su forma de mirar y reaccionar, todo esto y muchas cosas deben ser estudiadas por el intérprete a la hora de dar vida a un personaje, el cálculo preciso del desarrollo de un personaje debe ser tenido en cuenta por el actor, de esta forma le da calidad y profundidad sin precipitarse ante sus emociones tanto personales como artísticas, al igual que construye un camino que se relaciona e intercomunica con todos los componentes que crean la vida de un ser. Para llegar a las fibras intimas de un personaje el actor debe tener en cuenta todos estos detalles, pues es en el trasfondo de una investigación ardua, donde podemos llegar a sentir la totalidad de un personaje, con esto no quiero decir que esta es la única forma de atravesar el todo de un ser, no! Si no que es una herramienta practica y concienzuda para el actor que no ve con claridad la proyección de su personaje, hay casos donde no es necesario indagar tanto, ya que en ocasiones el personaje esta tan ligado a las circunstancias y experiencias del mismo interprete que solo basta con leerlo para comprender e identificar la escencia de un personaje, saber que todo tiene un proceso por muy intensas que sean las confrontaciones o revelaciones que viva un ser en el transcurrir de una historia es muy importante.

Debemos tener en cuenta muchos factores que intervienen para la creación de un personaje si queremos encontrar la organicidad particular de cada ser que interviene y hace parte de una historia. Los personajes deben tener y pasar por distintas facetas, sentimientos y emociones, porque como seres humanos atravesamos por infinidad de circunstancias en el proceso de llegar a nuestros objetivos de vida, Lloramos, reímos, nos deprimimos, soñamos, cantamos, divagamos, odiamos y amamos y quien sabe cuántas más emociones experimentamos para sentirnos plenos en la búsqueda de nuestro sueños y pasiones! No olvidemos esto! Es muy importante si queremos construir complejidades humanas e inhumanas en una historia u experiencia; basta decir que todo esto puede no ser tenido en cuenta, si el director direcciona de forma particular el proceso del personaje, sin embargo sabemos que siempre debemos tener una perspectiva así el personaje no la tenga en su historia, esto es tan fundamental como todo los demás detalles para complementar la vida de un ser.

Hay que tener perspectiva para construir la carretera y el vehículo con el cual llegaremos a nuestros objetivos en una historia u acción dramática.

He hablado sobre distintos componentes en la creación de un personaje, pero hay un factor muy importante para encontrar la particularidad de un ser o de una historia y es el ritmo! El cuerpo y el entorno contienen ritmos constantemente yuxtapuestos, y son estos los que nos hacen identificar y sentir las complejidades de la humanidad. Desde que respiramos hasta cuando lo dejamos de hacer, generamos infinidad de ritmos diferentes, bien sea por salud o por nuestras relaciones sociales o familiares; si analizamos este punto redescubriremos lo complejo que puede ser un personaje, pues en muchas ocaciones nuestras circunstancias de vida nos llevan a confrontarnos con el arte de interpretar estados rítmicos que están por el contrario alejados de nuestro fin u objetivo en la representación de un alma humana en particular. Es por eso que debemos ser consientes del ritmo interno y externo que contiene el personaje. Este ritmo no debe ser plano y monótono, a menos que el director lo demande, y aun así el actor como creador y ser humano debe desarrollar su intuición y aplicar las contrariedades del personaje a través de sus ritmos internos y externos, por muy monótonos que estos o el director quiera que sean! Pues el actor es el ser que estudia a la humanidad y esto lo hace ser conscientes, que la vida y su entorno están complejamente cargados de infinidad de ritmos, bien sean de expresiones internas o de caracteres externos, si esto se tiene en cuenta podremos llegar a ser muchos sin dejar de ser nosotros mismos, a través de la variedad de los tempo-ritmos que contiene la misma vida y el ser en esencia. El actor tiene muchos detalles por trabajar cuando se quiere crear experiencias y realidades humanas; es esto lo que lo diferenciara y lo llevara a ser un maestro de su propio arte, a un actor aficionado que ande buscando cantidad de conocimiento por conocimiento volviéndolo superfluo y alejándolo del verdadero camino al que se ha entregado en sus sueños y deseos de ser un creador de la complejidad humana e inhumana.

La vida es un ritmo con constantes contradicciones, que la hacen compleja y particular a la vez que se transforma en universal.

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